sábado, 3 de noviembre de 2012

REPRESENTANTES DEL RENACIMIENTO




Renacimiento y sus Representantes 


Se denomina Renacimiento al movimiento cultural que surge en Europa el 

siglo XIV, caracterizado por un renovado interés por el pasado grecorromano 

clásico y especialmente por su arte.




EL RENACIMIENTO EN ITALIA ARQUITECTURA 

El renacimiento italiano se origina en las ciudades que florecieron en el centro y norte de Italia, como Florencia, Milány Venecia, •su riqueza financiólos logros culturales renacentistas.El renacimiento se origina en los siglos XIV y XV y su apogeo es en el siglo XVI. •De Italia se extiende lentamente por Europa, excepto Rusia.



CARACTERÍSTICAS GENERALES DEL ARTE RENACENTISTA

-Imitación de la arquitectura y la escultura de Grecia y Roma.

-Realización de una belleza ideal, ajustada a cánones dictados por la razón.

-Búsqueda de la serenidad y el equilibrio que proceden de la armonía del todo.

-Creación de obras, cuya claridad y perfección, atributos exigidos por la razón universal, les dan una validez permanente.

-Es narrativa: expone historias y sucesos, reales o ficticios, sacados de la religión, de la mitología o de la historia.

-Es realista: las figuras humanas o de animales, y los objetos inanimados están reproducidos con el mayor cuidado.

-El cuadro se presenta con la perspectiva geométrica y da la ilusión de profundidad.

-Se da interés preferente al cuerpo humano, en particular al desnudo, cuya anatomía se estudia y copia cuidadosamente.



El Quattrocento(siglo XV).


FACHADA DE SANTA MARIA NOVELLA (LEON BATISTA ALBERTI)




Los dos mayores exponentes de la Arquitectura del Quattrocento serán Filippo Brunelleschi y León Batista Alberti.

Ambos arquitectos manifiestan una genialidad desconocida hasta el momento. Entre sus obras más destacadas no podemos olvidar la Cúpula de la Catedral de Santa María de las Flores de Florencia (Brunelleschi) y la fachada de Santa María Novella (Alberti).

ARQUITECTURA

La primera etapa del Renacimiento se llama Quattrocento y se da en Italia en el siglo XV. Comenzóen la ciudad de Florencia con la familia Médicis.










FELIPE BRUNELLESCHI (1377­-1446) adopta decididamente las formas clásicas en la ca­pilla de los Pazzi en el cementerio de Santa Cruz de Florencia y en sus demás obras.




Capilla de los Pazzis.- Brunelleschi





Se construyó como recinto funerario de la familia Pazzi, emplea la medida de la proporción áurea en el diseño de su planta y fachada. El tamaño de la capilla está pensado en función del hombre, ya no de Dios. Combina el adintelado griego con el arco central de origen romano. Líneas arquitectónicas, realzadas con la combinación de la piedra al descubierto. Superficies blancas de los muros estucados, policromía de la cerámica, presta su belleza en frisos y pechinas. Su Interior sobrio conformado con medallones junto con molduras y pilastras.

La Capilla Pazzi es ua obra de plena concepción renacentista. Es de planta cuadrada cubierta con cúpula, donde se da la interacción del espacio cuadrado con cubierta circular. 

La fachada se articula mediante un pórtico con columnas por el que se accede a la construcción, que combina el arco central con superficies adinteladas. En esta superficie hay un entablamento que "rompe" en el centro en arco de medio punto.

En todo el edificio se aprecia la búsqueda de la armonía frente a la monumentalidad

Cupula de la Catedral Florencia- Italia

Símbolo de la riqueza y del poder de la capital toscana, es uno de los edificios más grandes de la cristiandad. Su nombre (que se traduce como «Santa María de la Flor») se refiere al lirio, símbolo de Florencia, una estructura isostática de 100 metros de altura interior; 114,5 metros de altura exterior; 45,5 metros de diámetro exterior y 41 metros de luz (diámetro interior) Continua con el uso de las proporciones y de la geometría. 



Iglesia de San Lorenzo . Florencia Italia

Arquitectura renacentista del Quattrocento. Construcción realizada en piedra, con mármol para los revestimientos decorativos y material de relleno en las bóvedas 

Obra arquitectónica con planta de cruz latina, de tres naves y capillas laterales. Presenta cubierta exterior a dos aguas en la nave central y a un agua en las laterales 

Brunelleschi se inspiraba en modelos clasicistas, dando lugar de esta manera al comienzo de la arquitectura renacentista. 

Palacio Pitti


La importancia del Palacio Pitti de Filippo Brunelleschi es que en él el autor establece el modelo renacentista de palacio que fue ampliamente seguido por sus discípulos, como ocurre en el caso del Palacio Médici- Ricardi, obra de Michelozzo di Bartolomeo. 

El aspecto externo es casi de una fortaleza. Tiene planta en cuadrilátero en que las dependencias se construyen en torno a un patio. Muestra una tendencia a la horizontalidad mediante una superposición de tres pisos o cuerpos. 

El muro está muy articulado mediante balaustradas. Se emplean para los muros sillares almohadillados, que va siendo más plano a mediad que se gana altura. Los vano con arco de medio punto constituidos por dovelas almohadilladas. Las ventanas llevan frontón. 

Fachada del Hospital de los Inocentes


Se trata de un edificio de gran horizontalidad. En el cuerpo inferior se dispone de un pórtico con arcos de medio punto sobre columnas corintias, que se despega visualmente de la construcción. En las enjutas de los arcos hay tondos o medallones policromados con figuras blancas (bebés que piden) sobre fondo azul. Es el único elemento figurativo, ya que Brunelleschi desnuda esta fachada del Hospital de los Inocentes del resto de elementos decorativos. 


LEON BATISTA ALBERTI

El italiano Leon Battista Alberti fue, además de arquitecto, el primer teórico del arte del renacimiento.





Nació en Génova el 14 de febrero de 1404. Era hijo de Lorenzo Alberti, miembro de una rica familia de comerciantes y banqueros. Recibió una esmerada formación en la escuela de Barsizia (Padua) y en la Universidad de Bolonia. Estudió griego, matemáticas, ciencias físicas, filosofía, música, pintura y escultura.



Tras la muerte de su padre en 1421, sufrió problemas de tipo económico debido a las diferencias con su familia. Por ello, decidió comenzar la carrera eclesiástica. En 1432, se trasladó a Roma. Allí fue nombrado secretario del papa Eugenio IV y aprovechó la estancia para estudiar los monumentos de la Antigüedad clásica.

En 1434 se incorporó a corte papal establecida en Florencia. Se introdujo en los ambientes humanísticos y culturales de la ciudad y entabló amistad con algunos artistas del momento como Brunelleschi, Donatello y Masaccio.


Alberti comenzó a trabajar como arquitecto alrededor del año 1430. Sus primeras obras las realizó para la familia Rucellai en Florencia. Sus edificios están considerados como los ejemplos más sobresalientes de la arquitectura renacentista.

Destaca más su actividad como teórico que como constructor, ya que proyectaba todos los elementos al detalle, pero nunca participaba en la construcción de sus edificios.

Otra de las facetas más importantes en Alberti son sus tratados teóricos, por los que hoy conocemos su pensamiento artístico. Los más relevantes son Della Pittura (1436) y De Re Aedificatoria (1453).

Obras de Alberti:

Palacio Rucellai (1445-1451), Florencia.

Es su primer encargo arquitectónico importante en Florencia. Dispone el palacio en torno a un patio central, siguiendo la disposición de la típica domus romana, y se centra en la fachada, que es donde se encuentran las soluciones más novedosas.


Divide la fachada en tres pisos separados por cornisas con un claro sentido horizontal, aunque estas divisiones horizontales no coinciden con la altura real de las plantas. Para romper la horizontalidad introduce una serie de pilastras verticales en las que emplea la superposición de órdenes clásicos. Con ello consigue, además, un interesante juego de luces y sombras.
El palacio se convirtió en un modelo a seguir en las sucesivas construcciones de residencias señoriales.

Templo San Francisco o Templo Malatesta de Rimini (1447-1450)



Sigismondo Pandolfo Malatesta, príncipe de Rimini, encargó a Alberti transformar la iglesia de San Francisco y convertirla en un templo en el que disponer su sepultura, la de su amada Issotta degli Tai y las tumbas de los hombres ilustres de Rimini.


Aunque el proyecto quedó inacabado, se sabe que Alberti planteó la fachada principal a modo de arco de triunfo y que para el ábside quería desarrollar una gran rotonda cubierta por una bóveda hemisférica.

Iglesia de San Sebastiano (1460), Mantua.


Era una iglesia privada para el duque de Mantua, Ludovico Gonzaga. La obra tampoco llegó a terminarse. Alberti Ideó una iglesia con planta de cruz griega, dividida en dos alturas. La superior estaba coronada por una gran cúpula, y la inferior, poseía tres naves separadas por dos filas de pilares.

Iglesia de Sant'Andrea (1472), Mantua.


Alberti sigue en esta iglesia el concepto de "templum etruscum" que ya había expuesto en su De re aedificatoria. 
La iglesia presenta planta de cruz latina con una única nave y capillas laterales rectangulares. La fachada es majestuosa, con un gigantesco orden de pilastras que soportan un frontón triangular.

Santa María Novella (1456-70), Florencia.

Bajo la petición de Rucellai en 1456, acomete la finalización de la fachada de la iglesia de Santa Maria Novella, que había quedado inacabada. El principal problema era integrar los elementos de épocas anteriores.



Alberti completó la fachada, la parte del basamento ya estaba realizada, con una ordenación clásica, basada en la proporción. Para unificar el conjunto y armonizar los elementos previos góticos con los nuevos, renacentistas, utilizó la taracea de mármoles de colores, una tradición constructiva toscana. Consiste en la combinación de mármoles blancos y verdes oscuros.
La solución final es una fachada a modo de telón delante de una iglesia gótica.






DONATO BRAMANTE (1444-1514)


Conocedor de Piero y de Alberti, es la gran figura del pleno Renacimiento. Se interesó por estructuras centralizadas, de gran amplitud, con exedras (obra de planta semicircular a modo de ábside) y cúpulas



Basílica Papal de San Pedro. – Vaticano


Cuenta con el mayor espacio interior de una iglesia cristiana en el mundo, presenta 193 m de longitud, 44,5 m de altura, y abarca una superficie de 2,3 hectáreas. La altura que le confiere su cúpula hace que sea una característica dominante en el horizonte de Roma. Es considerada como uno de los lugares más sagrados del catolicismo. Se ha descrito como «la ocupante de una posición única en el mundo cristiano», y como «la más grande de todas las iglesias de la cristiandad





Palazzo della Cancelleria (1513) Italia


Primer palacio en Roma para ser construido desde cero en el nuevo Renacimiento. La larga fachada con Su ritmo de las Pilastras planas dobles Ventanas con arcos



Iglesia de Santa Maria delle Grazie Milan Italia 1463.





Conocido como el Cenacolo Vinciano, remodelado a finales del siglo XV de la mano de Bramante. La decoración exterior combina ladrillos de terracota y mármol que forman la nave tarda gótica. Sobre esta base Bramante erigió una cúpula de decoración mucho menos recargada, coronada por una arquería. La forma redonda de la Iglesia parece recordar el halo luminoso visto en repetidas ocasiones caer del cielo en el lugar de la aparición el 18 de junio 1490, mientras que estaban proyectando la Iglesia. . El Convento conserva una obra de arte, La última Cena, pintada por da Vinci.





Santa María Presso San Satiro (1488)

Arquitecto: Donato Bramante
Dirección: Via Speronari, 3
Ciudad: Milán (Lombardía)
País: Italia, Europa








Cortile del Belvedere (1505)

Arquitecto: Donato Bramante
Dirección: Vaticano
Ciudad: Roma (Lazio)
País: Italia, Europa







ANDREA PALLADIO (1508-1580) fue un importante arquitecto de la República de Venecia. Trabajó fundamentalmente en la ciudad de Venecia y alrededores. Se lo considera un autor del manierismo, sus villas campestres y otras obras han influido de manera importante en la arquitectura del Neoclasicismo.

La villa rotonda 1566 Vicenza.- paisaje ideal, construida como mansión de un funcionario del Vaticano, llamado Paolo Almerico. es un aspecto novedoso, ya que se le da a una vivienda el tratamiento de un edificio religioso, siendo la primera vez que se usa una cúpula para un edificio que no sea religioso. Sus volúmenes cúbicos y su rigurosa simetría, no solo en el exterior sino en la estructura de la planta. la arquitectura se integra en el paisaje armoniza la naturaleza y el cálculo de proporciones de la villa, con lo que consigue una auténtica obra maestra. Un gran referente del renacimiento pues combina cuadrado (la planta) y círculo (cúpula).





Basílica de Vicenza. 1546-49.

Sus modelos alcanzarán gran difusión porque supo ennoblecer la vivienda señorial, utilizando una fachada inspirada en los templos romanos. El uso que dio también a la columna de orden gigante, dotó de monumentalidad a sus obras



Palacio Chiericatti. 1550-57.

Combinación equilibrada de materiales: mármoles para dar monumentalidad y riqueza a sus fachadas y ladrillo para las partes menos visibles. Buscaba soluciones ingeniosas que unieran belleza, funcionalidad y economía. Asocia armónicamente los elementos portantes y sostenidos y los macizos y huecos: arco-arquitrabe, columnas de dos tamaños (las pequeñas exentas y las grandes adosadas para provocar tensión), contraste de luces muy fuertes, con grandes vanos y óculos perforados en vez de medallones.


El Quattrocento(siglo XV)

La Arquitectura 

La arquitectura se inspiró en la arquitectura clásica y podemos distinguir dos características: 

•Búsqueda del orden y la proporción

.•Uso de elementos clásicos: arcos de medio punto, columnas, frontones, cornisas y cúpulas.






ESCULTURA:El Quattrocento(siglo XV).

•La escultura, inspirada también los modelos clásicos, se centró en la representación del cuerpo humano.

•CARACTERÍSTICAS.

•Mientras que en la escultura medieval primaba el arte narrativo (se trataba de contar secuencias, episodios evangélicos, etc. –función didáctica‐) ahora nos encontramos con un arte menos narrativo y mucho más sensorial: se pretende representar figuras o escenas bellas.

•Aunque siguen predominando los temas religiosos, aparecen nuevos temas: paganos, mitológicos y alegóricos, a imitación

de la época clásica. La figura humana es el centro de la escultura y aparece de nuevo el desnudo.

•Aparece una nueva estética: el realismo idealizado, que es lo que se conoce como dolcestil nuevo, el dulce nuevo estilo.


































EL RENACIMIENTO FUERA DE ITALIA ARQUITECTURA 

Arquitectura 

En los países no italianos el Renacimiento se introduce lentamente. Es un arte impor­tado por artistas italianos, imitado más tarde, que se combina con elementos góti­cos, y presenta notables dife­rencias según los países en que florece. 

EL RENACIMIENTO EN ESPA­ÑA- Ofrece tres diferentes aspectos por lo que se refiere a las regiones centrales, que es donde se desarrolló en ma­yor escala. 



El ITALIANO SENCILLO: se caracteriza por sus gale­rías abiertas (loggie), esbel­tas arcadas y sobrio empleo de relieves, como en el patio del Alcázar de Toledo, obra de Alonso de Covarrubias 

Foto. Patio Alcazar de Toledo 





EL PLATERESCO: estilo in­troducido por el desarrollo de las artes suntuarias. 

En él se ve la influencia de los trabajos de orfebrería (cá­lices, custodias, etc.) tan en boga en la época, principal­mente desde el advenimiento de la casa de Austria, y por la abundancia de metales pro­cedentes del Nuevo Mundo. 

Tal es el Hospital de la Santa Cruz de Toledo 

Foto de su Portal 





EL GRECORROMANO: des­provisto de ornamentos, muy severo, cifra su belleza en las proporciones artísticas de los Órdenes clásicos. A este estilo pertenece el Monasterio de San Lorenzo del Escorial, de los arquitectos Juan de To­ledo y Juan de Herrera 

Foto. Monasterio del Escorial. Patio de los Evangelistas 







En Portugal el Renacimiento se manifiesta con una escuela característica que co­rresponde al plateresco cas­tellano; el llamado estilo manuelino (de la época del rey Manuel, 1495 a 1528). Sirva de ejemplo el claustro de Belem. Portugal foto 





Arquitectura Funeraria 

Conserva las formas de la gótica. En esta época se inicia la forma de monumentos conmemorativos que ha llegado hasta nosotros, ósea la de estatuas sobre pedestales. 

Arquitectura Religiosa 

Su elemento característico en la época del Renacimiento es una gran cúpula sobre el crucero. San Pedro de Roma es el tipo del templo católico en esta época. 

Nicolas V encargo el proyecto al arquitecto Rosalino en 1450; después se sucedieron varios arquitectos bajo distintos pontificados en la dirección de las obras, como Bramante, Miguel Angel, Rafael, etc, Hasta Maderna, autor de la nave, ultima obra en elo siglo xvii. Foto.- planta de san pedro de roma 

Arquitectura Civil 

El palacio, se caracteriza, en general por la sucesión de salas alrededor de patios, lo que le comunica cierta suntuosidad en el interior. En cambio su aspecto exterior puede parecer algo monótono, por presentar una serie de aberturas iguales, pero la acertada distribución de kas nasas le da un aspecto severo, noble y característico 

Foto Escalera biblioteca Laurenciana en Florencia por Miguel Angel 







Foto. Castillo de chambord Francia 

El palacio Francés es como una continuación del palacio ojival y ofrece aspecto de una aglomeración de los pabellones 



ESCULTURA Y PINTURA DEL RENACIMIENTO 

En el arte románico y gótico la escultura forma parte integrante de la arquitectura, con la cual confunde a menudo sus elementos, en la época del Renacimiento se acentúa el empleo de la estatua aislada. 

Escuela Florentina Siglo xv. 

ESCULTURA 

Ghiberti (1378-1445) 

Entusiasta coleccionador de obras antiguas principalmente griegas, las estudia sin copiarlas; es el autor de las celebradas puertas de bronce del Baptisterio de Florencia, en las que desarrolla diez composiciones con asuntos del Antiguo Testamento, encuadradas por ricas ornamentaciones de un delicado naturalismo 

Foto. Puerta del Paraíso (detalle), por Ghiberti. Florencia 

Donatello (1386-1466) 

Es un realista que se entusiasma por el gusto de la observación y que efectúa con una fineza extremada. Su afición al estudio de la Antigüedad no influye en lo más mínimo en la originalidad de sus obras 

San Jorge (San Michelle Florencia) 

Consiguió representar una gran profundidad dentro de un mínimo plano, destacándose con una fuerza innovadora en el campo de la escultura monumental y en el tratamiento de los relieves. Considerada como la primera figura renacentista, Figura religiosa cristiana tratada con rasgos individuales como si de un retrato de un caballero, demuestra lo clásico, con una vestimenta a lo romano, dándole un representación cristiana 

Donatello 1430. Museo Bargello. Florencia 

Bronce, 1,58 Donatello recupera la estatua clásica, desnuda, al servicio de la religión y los nuevos ideales humanistas en su David fundido en bronce para el patio del palacio de los Médicis. Se considera la primera figura desnuda, Es una exaltación de la belleza ambigua del adolescente, un hermoso joven desnudo con sombrero florentino y botas, a sus pies la cabeza del Goliat al que parece haber vencido más por su apostura que por su fuerza o inteligencia. A su sensualidad, contribuye el acabado pulido del bronce. El lirismo erótico acentuado por el desnudo pero con botas y sombrero, algo que no se daba en la escultura clásica. 
San Juan Evangelista 

Donatello, en esta escultura demostró un manierismo gótico tardío, y no sólo con las referencias a la composición de estatuas antiguas, también en la búsqueda de la expresión de una verdadera humanidad y verdad. Las vestiduras crean fuertes efectos de claroscuro, con grandes pliegues, un gran relieve, su mirada fija y fuerte, hacen que la representación esta totalmente llena de energía. 







Andrea Verrocchio (1435-1488) 

Uno de los mejores discípulos de Donatello; Fue pintor, maestro de Leonardo Da Vinci 

Bartolomeo Colleoni 1479 

El monumento ubicado en Venecia - Italia de bronce forjado, es su obra más importante es la gallarda estatua encuestre de Colleone, es de enérgico modelado. Movimiento y dinamismo da la actitud del personaje militar, la figura de Colleoni presenta una actitud desafiante de enorme fuerza expresiva. 



Cristo y santo Tomás (Florencia) (1467-1483) 

Elaborado en mármol, las imágenes de gran realismo y viveza asombran por su fantástico acabado, existe una perfección con tal simpleza y belleza que muestra su espiritualidad al espectador. 





Amorcillo con delfín 

Verrocchio recupera la representación humana clásica y se utilizan como materiales el bronze y la piedra, resalta en sus obras efectos lisos de modelado y al estudio naturalista de la iluminación, los elementos decorativos, buscan en cada rostro una expresión intensa y una fuerza dramática. 











Luca y Andre Della Robbia(1440-1482) 

Escultor y ceramista italiano, Escultor religioso de escuela florentina, impulsor de cambios a principios de la era renacentista. Della Robbia realiza trabajos en terracota (arcilla al horno), cubierta con barniz (vitrificado). La técnica utilizada para generar el material básico, la cocción y el brillo de sus lacas era exclusiva y provenía de una receta desarrollada por su misma familia. dedicada por generaciones al uso artístico de la arcilla. 



Cantoria - Catedral de Florencia Italia 

Es un bajorrelieve de barro cocido. Sus contenidos están llenos de vida y naturalidad: son celebres sus bajorrelieves en barro esmaltado, procedimiento cultivado por sus descendientes durante varias generaciones. es un escultor cuya sobriedad clara de los planos y los ritmos, la serenidad clásica de los rostros, las formas simples y la sensibilidad de la luz estarán siempre presentes en su obra 

Niño con vela 1399-1482 

La perfección de las formas que logra Della Robbia lo sitúan en la historia de la escultura como uno de los mejores. Su figura representa a aquellos que el arte les conmueve para actuar con heroísmo. Della Robbia, como buen pionero, arriesgó todo por innovar los estilos medievales reinantes. La expresión de sus obras comprueba que valió la pena, otorgándole sobradamente, un lugar de privilegio en la historia de la escultura europea. 







Cristo y San Tomas 1399-1482 

Fue un vanguardista de su época y destaca por la originalidad y frescura de sus obras que encantan a primera vista, tiene un estilo innovador, sus obras son trabajadas de diferente forma, dándole algo nuevo a la escultura, y una vez terminada la escultura, se pintaba de color blanco para simular mármol y finalmente se sellaba con esmalte incoloro. 









PINTURA 

En esta época la pintura estudia la perspectiva y tiende en general hacia el verdadero realismo y detenida observación de la vida. 

Masaccio (1401-1428) 

Fue un pintor cuatrocentista italiano. A pesar de la brevedad de su vida, su obra tuvo una importancia decisiva en la historia de la pintura: generalmente se considera que fue el primero en aplicar a la pintura las leyes de la perspectiva científica, desarrolladas por Brunelleschi 



Tríptico de San Juvenal 1422 

es una creación que supera plenamente el gótico. Era una obra desconocida de Masaccio, Fue descubierta en 1961. La pintura se compone de tres tablas: la central representa a la Virgen con el Niño, flanqueados por dos ángeles; en los paneles laterales aparecen parejas de santos: San Bartolomé y San Blas en el de la izquierda, y San Juvenal y San Antonio Abad en el de la derecha. La composición está construida de acuerdo con las leyes de la perspectiva: las líneas de fuga del pavimento de los tres paneles convergen en un punto de fuga central, representado por la mano derecha de la Virgen, que sostiene los pies del Niño. 



La expulsión de Adán y Eva del paraíso terrena 

Las figuras de Adán y Eva expulsados del Paraíso antes y después de la restauración, son prototípicas de la concepción que Masaccio tenía de la pintura, basada en la masa y el volumen de las figuras, en una única fuente de luz y en la representación científica de la perspectiva. La importancia de estos frescos fue tal que todos los grandes pintores posteriores, incluidos Leonardo, Rafael y Miguel Ángel, los estudiaron. La composición a base de pocas figuras esenciales y la plasmación natural de la luz definen su estilo característico, que se despliega plenamente en su obra maestra: 



La Trinidad. Iglesia de Santa Maria Novella

Probablemente, en 1428, Masaccio realizó su última obra, un fresco que ha pasado a la posteridad como un ejemplo emblemático de perspectiva y composición. Poco después de acabar esta pintura, Masaccio se trasladó a Roma, donde murió de repente, se ha llegado a decir que por envenenamiento. Era una figura prácticamente desconocida, pero su obra no tardó en proyectarlo al primer plano de la actualidad y ejerció una gran influencia durante el Renacimiento. 





Sandro Botticelli (1446-1510) 

Pintor elegante, gracioso, deliciosamente amanerado, supo dar a sus figuras un particular encanto que le distingue entre los demás pintores de su época. Trato con el mismo acierto temas mitológicos y religiosos. Fue un excelente retratista y un grabador notable 



El nacimiento de la Venus- Galería degli uffizi. Florencia Italia Rrepresenta una de las obras cumbres del maestro italiano. Está ejecutada al temple sobre lienzo y mide 278.5 centímetros de ancho por 172.5 cm de alto. Muestra la llegada de Venus, sobre una concha, el desnudo femenino, considerado pecaminoso en el arte medieval cristiano, se recupera en el Renacimiento como símbolo de inmaterialidad. Esta Venus no representa el amor carnal o el placer sensual sino que, con su postura y sus facciones finas, se acerca más al ideal de inteligencia pura o saber supremo. 

La primavera 1477-1478 

Mide 203 cm de alto y 314 cm de ancho. Botticelli opta aquí por un formato monumental, con figuras de tamaño natural, y lo compagina con una gran atención al detalle, figuras de elevada estatura, delgadas, ligeramente alargadas, muy idealizadas, cuyos cuerpos a veces parecen artificiosamente estirados y presagian el estilo elegante y cortés, los cuerpos de tonalidad clara y su fondo del bosque obscuro hacen un contraste particular en la obra. 

Virgen con el Niño y ángel 

Mide 87 cm de alto y 60 cm de ancho. Se considera que es la más antigua de las Vírgenes sobre tabla pintadas por Sandro Botticelli, la colocación de las figuras, la ventana detrás de María, la mirada de ésta hacia su hijo y la actitud del Niño, apoyado en su madre, podemos ver un modelo de Virgen seria, meditabunda, abstraída en su propia belleza y actuando siempre con gran seriedad, habiendo un complemento entre el espacio y los personajes para que sea más intelectual y no se denote el afecto. 





Domenico Ghirlandajo (1449-1494) 

Llevado de su afición al naturalismo, viste los personajes bíblicos con trajes del siglo xv. De esta misma época son también los tipos y detalles 

Por este tiempo brilla el arte italiano en escuelas que podríamos llamar secundarias, como la UMBRIANA, la de PADUA, la VENECIANA. 
Paolo Uccello (1397-1475) 



Fue un pintor cuatrocentista y matemático italiano que destacó por su obra pionera en la perspectiva visual en el arte. Giorgio Vasari en sus Vidas de los artistas escribió que Uccello «se complació en investigar los complicados mecanismos y las extrañas obras del arte de la perspectiva, subrayando su rasgo más distintivo, esto es, el interés, casi obsesivo, por la construcción en perspectiva. 

San Jorge y el Dragón (1456). 

Una tendencia gotizante del arte de Uccello en ninguna otra obra es más evidente que en esta. Atrevida construcción en perspectiva. De hecho, Vasari cita como palabra de Uccello la expresión « ¡Oh, qué asunto tan dulce la perspectiva!». Sin embargo, a diferencia de Masaccio, esa perspectiva no le sirve para proporcionar un orden lógico a la composición, dentro de un espacio finito y mensurable, sino más bien para crear escenografías fantásticas y visionarias, en espacios indefinidos. Su horizonte cultural quedó siempre ligado a la cultura tardogótica, aunque interpretada con originalidad. 



La Batalla de San Romano 

Las obras de la madurez son contenidas en un entorno de perspectiva lógica y geométrica, donde las figuras son consideradas volúmenes, colocados en funciones de correspondencias matemáticas y racionales, donde se excluyen el horizonte natural y el de los sentimientos. El efecto, bien perceptible en esta obra es el de una serie de maniquíes que representan una escena con acciones congeladas y suspendidas, pero justo de esta inescrutable fijeza nace el carácter emblemático y onírico de su pintura. El efecto fantástico está acentuado incluso por el uso de cielos y fondos oscuros, sobre el que resaltan luminosas las figuras, bloqueadas en posiciones antinaturales. 
Fra Angelico (1390-1455) 



Fue llamado Angélico por su temática religiosa, la serenidad de sus obras y porque era un hombre de extraordinaria devoción. 

La Anunciación 1430-1435 Museo del Prado Madrid, España 

Temple sobre tabla, 194cm x 194cm Se trata de una obra realizada alrededor del año 1430, es decir, en un momento de transición entre la pintura gótica y el renacimiento. La luz y el color son ya renacentistas, así como la austeridad de la arquitectura. 





Virgen de la Humildad 1433-1435 

Oleo sobre tabla de 147cm x91cm, es un cuadro gotico Fra Angélico combinó la elegancia decorativa del gótico, en particular del gótico internacional de Gentile da Fabriano, con el estilo más realista de otros maestros del renacimiento como el pintor Masaccio y los escultores Ghiberti y Donatello, que trabajaban en Florencia, y aplicó también las teorías sobre la perspectiva de León Battista Alberti. Las expresiones de devoción en los rostros son muy logradas, así como la utilización del color que consigue dar mayor intensidad emotiva a la obra. 









Fresco de las celdas de San Marcos. Cristo alcanza a Adán para rescatarlo del Infierno. 1440 

Su maestría en la creación de figuras monumentales, en la representación del movimiento y en la capacidad para crear planos de profundidad a través de la perspectiva lineal, especialmente en los frescos realizados en Roma, lo confirman como uno de los pintores más importantes del primer Renacimiento. 









APOGEO DEL ARTE ITALIANO 

Fin de siglo xv y siglo xvi.- Aumentan los artistas en toda Italia, y, como en otro tiempo Grecia clásica, todas las clases sociales se interesan por las obras de arte. Florecen sus más grandes genios 

Leonardo Da Vinci (1452-1513) 

Discípulo de Verrocchio. De vastos conocimientos, trabajo como pintor, escultor, ingeniero, arquitecto, mecánico, físico, botánico, mineralogista, geólogo, pensador, poeta, y fue figura principalísima en todas estas actividades. Se lo considera uno de los hombres más inteligentes que han existido. 

La última Cena 1495 - 1497 

Una de sus obras más importantes es La Cena, que decora una de las paredes de Santa María de las Gracias en Milán. Marcó una nueva era en la historia del arte. La escena reproduce el momento en que Jesucristo anuncia que uno de los discípulos lo traicionará. Judas es el cuarto por la izquierda.El uso de una técnica poco adaptada al paso de tiempo (tempera sobre el yeso de la pared), provocó, que el estado de conservación de la Ultima Cena se fuese degradando. Tras continuas restauraciones en 1999 se volvió a abrir al público recuperando el colorido del Cenacolo original. 









Gioconda o Monna Lisa (Louvre) 

Aceite sobre madera, 77 × 53 cm. Una obra jamás discutida, en el que a pesar de su vestimenta y la simplicidad tiene una composición y un equilibrio entre el paisaje, la naturaleza y persona; Leonardo da Vinci jamás dejo de retocarla, y esta obra tiene el honor de haber acompañado al genio durante toda su vida y de ser esta la percepción idealizada de sí mismo que el autor concebía, pues en ella encontraba la mirada inocente e inexorable de un niño maravillado por las formas y misterios del mundo, la sonrisa que otorga la paz y lo secreto, las manos sutiles para albergar lo celeste, la armonía que pretendía hacer llegar a cada espacio y cada acto que cumplía. 



Leda y el cisne (1515-1520) Galería Borghese Roma, Italia

Temple graso sobre tabla -112 cm x 86 cm El estilo de Leonardo está muy bien reflejado. Parece ser el único desnudo femenino de sus obras; pintura fue tratada por sus contemporáneos como un tema muy erótico debido no solo a la desnudez y lozana gracilidad de la joven representada sino a su pose en sugerente






Miguel Ángel Buonarroti (1475-1564) 

Discípulo de Ghirlandajo, posee una poderosa fuerza en la concepción y gran vigor en la ejecución. Fue escultor, pintor, arquitecto y poeta. Proyecta el sepulcro de Julio II y en ella la hermosa figura de Moisés. Mas tarde el propio Papa le encarga la decoración de la capilla Sixtina. En todas sus composiciones palpita su genio extraordinario Foto. Detalle capilla Sixtina 



La noche, Capilla de los Medicis Florencia 1526-1531. 

Famoso desnudo femenino símbolo en su tensión inmóvil del momento final de la vida humana, inquieta y atormentada como fue la del gran artista que la creó; su homosexualidad se dejaba notar en esa obra, el cuerpo expresa mucho en la obra. 



La Pieta (1498-1499) 

Una de las obras más famosas que esculpió, cuando tenía tan solo 24 años, La armonía de la obra también se ve reforzada por la composición triangular, cuyas líneas consiguen transmitir, serenidad, estabilidad proporción, lo cual se buscaba en el renacimiento. Dicen los expertos que todas las representaciones de la virgen culminan con esta obra, figura rígida, alejada, fría, que había sido representada en periodos artísticos anteriores, se convierte aquí la mujer, la madre cariñosa con el amor inmenso que ha alumbrado a su hijo, y que lo acoge en su seno. 

David (1501 y 1504) Galería de la Academia. 

Una de las obras más famosas y más reproducidas en el mundo La estatua de mármol blanco y de más de 4 metros de alto. Propone una interpretación innovadora del tema bíblico. El pastor David niño y la desnudez se muestran en la aparición de un poderoso héroe de la antigüedad. la gran figura de David se ha convertido cada vez más en sinónimo de perfección formal, con una belleza eterna. Además la escultura cobra vida imitando la respiración y la tensión de los músculos; una implicación emocional revelada por el ceño y el giro de su cabeza evoca el movimiento. 



Rafael Sanzio (1483-1520) 

Nació en Urbino y tuvo por maestro a Perugino (foto. El arcángel san Miguel. Detalle del altar de la virgen uffizi), cuya influencia se nota en sus primeras obras. 



Más tarde se aficiona al es­tudio de la y delos grandes maestros floren­tinos, principalmente Leonar­do da Vinci. 

En 1508, época en que llegó a la plenitud de su talento, Julio II le encarga la decora­ción de varias salas y logias (galerías) del Vaticano. 

La decadencia se inició con los imitadores, que por el afán de copiar el estilo olvidan la observación del natural: Asi se desarronllan el convencionalismo y el amaneramiento. No obstante, en Parma brillo un gran talento: 



Retrato de un cardenal (1510-1511) Museo del Prado 

El gran artista pintó maravillosos retratos. Es un óleo sobre tabla, y para algunos autores se trata de la pintura más bella realizada por el pintor 

Rafael consigue mediante la utilización de un fondo neutro, aparentemente una cortina o colgadura verde oscura, concentrar la atención en el modelo, el cual aparece retratado de tamaño algo mayor que el natural, y formando un triángulo cercano al plano pictórico.

El color está aplicado con gran maestría. El pintor italiano utiliza una gama de color reducida pero enriquecida por la magnífica captación de la iluminación y de la calidad de texturas. El resultado es que consigue pintar con una realidad casi tangible la casulla de seda roja con brillos tornasolados, que contrasta a su vez con el impoluto blanco de las mangas. 



Los desposorios de la Virgen 

En esta obra, se puede apreciar la influencia de Perugino en la manera de pintar del joven. 

Toda la representación es muy mecánica, muy calibrada y calculada. Para enlazar la parte superior de la tabla con la inferior se usan las losas del pavimento, que subrayan la fuga de perspectiva, y de las apropiadas disposiciones de las figuras. El templo poligonal en el estilo de Bramante establece y domina la estructura de esta composición, determinando la disposición del grupo del primer plano y de otras figuras. Al mantener la perspectiva en el pavimento y en los ángulos del pórtico, las figuras disminuyen proporcionalmente en tamaño. El templo de hecho es el centro de un sistema radial compuesto de los escalones, el pórtico, contrafuertes y tambor, y extendido por el pavimento. En la entrada, mirando a través del edificio y la arcada enmarcando el cielo al otro lado, se sugiere que el sistema radial continúa al otro lado, lejos del espectador. 



Camino del calvario, 1505, Prado 

Trabajo también para particulares infinidad de asuntos mitológicos y religiosos de extraordinaria belleza, siendo notables entre estos últimos las Madonas. 

Era natural que tan gran­des genios ejercieran podero­sa influencia en los artistas contemporáneos y sucesores, pero el arte no podía mantener se por mucho tiempo a tanta altura. 

Son destacables de entre su producción los maravillosos frescos de las estancias vaticanas, donde crea historias con vida propia en las que se fusionan su habilidad como dibujante, su pericia como colorista, su conocimiento de las reglas perspectivas y el uso de las peculiares arquitecturas bramantescas, su aprecio por un naturalismo que no descarta la exacerbación, junto con un equilibrio y armonía completamente renacentistas (no siendo posible tampoco olvidar sus dulces y vívidas madonas). 



Allegri (1494-1534) 

Llamado el Correggio que posee un brillante colorido y suave modelado, cualidad que domina en todas sus obras y de un modo singular, en las de carácter religioso, notables además por la expresión de gran ternura y poesía que en ellas se observa 



Noli me tangere, 1518, museo del prado 

«no me quieras tocar» o "no me toques" una de las obras más importantes con este tema. Palabras que Jesucristo dijo a María Magdalena después de la resurrección, mas bien una verdadera traducción “no me retengas” 

Es un cuadro «noblemente patético, con su sentido lírico y sensual, que anima la figura de la Magdalena y las sinuosidades de los pliegues, Con una luz apenas matutina» Cristo, con los pies cruzados en posición de inestabilidad, gesticula con los brazos y las manos, en una postura dinámica y estática a la vez. La Magdalena, por su parte, aparece dibujada con expresión de contemplación; fijando intensamente su mirada en Cristo. Mientras, su cuerpo se estremece al oír las palabras «No me toques», de boca del Resucitado. 



Retrato de un joven 



Conoció la pintura de Rafael y Miguel Ángel, en la que sin duda se inspiró, a través de dibujos y grabados. Estos dos artistas fueron referentes básicos en la formación de su estilo, pero también bebió en Mantegna, del cual tomó la perspectiva ilusionista, y en Leonardo, de cuyo esfumado se sirvió para dotar a sus obras de una elegancia sentimental. 



La Virgen con el Niño y san Juan 

Comenzó su carrera artística en Correggio, con obras de temática religiosa en las que manifestó particular predilección por la composición en diagonal. Se recreó, sobre todo, en el tema de la Virgen con el Niño, antes de trasladarse hacia 1518 a Parma, donde pintó las obras a las que debe esencialmente su fama. Las tres figuras forman una composición piramidal, como en los cuadros que sobre el mismo tema ejecutaron Leonardo da Vinci o Rafael Sanzio. 

LA ESCUELA VENECIANA 

Se caracteriza principalmente por su riqueza de color y un gran sentimiento del natural, unido al gusto por el lujo. 



TICIANO (1477-1576) 

Es el maestro por excelencia de la escuela veneciana. Los grandes príncipes se disputan sus cortes. Permanece en Venecia, donde trabaja hasta su muerte 

Lavinia. Kaiser Friedrich museum, Berlin 1553-54 

La joven viste un elegante traje en tonalidades doradas con reflejos oscuros y alza con sus manos un gran plato de plata lleno de frutas y flores. Está dispuesta en tres cuartos y gira la cabeza hacia el espectador, recortando su atractiva figura ante un amplio cortinaje rojo mientras que en la derecha contemplamos un paisaje con unas montañas. La iluminación empleada distorsiona los contornos y resalta las tonalidades, utilizando el maestro una pincelada fluida y rápida que parece abocetar el conjunto, creando así sensacionales efectos atmosféricos. Sobre la interpretación de este lienzo se han aventurado diversas hipótesis. Se piensa que Tiziano va más allá del retrato y nos presenta una alegoría matrimonial. 



La Venus de Urbino, 1538 

Un retrato de la esposa de Guidobaldo que acababa de abandonar la pubertad o sencillamente el retrato de una conocida cortesana de la ciudad. Crea una figura de evidente clave erótica. Se trataría de una representación real de alguna mujer concreta, de carne y hueso, olvidando imágenes que muestran el ideal de belleza. Esta escena es un precioso complemento a la figura desnuda. Tiziano dirige un potente foco de luz sobre el cuerpo de Venus, otorgando así mayor veracidad al conjunto. La claridad de la carnación y las telas blancas sirven de contraste con la pared sobre la que se recorta la mitad superior de la joven y con la tela del diván. El maestro no ha olvidado la preocupación por la perspectiva, perfectamente creada a través de las baldosas, la columna del fondo y el árbol. Esta Venus es la figura de mayor belleza salida del pincel de Tiziano. 



Ofrenda a Venus 1518-1519 

Óleo sobre lienzo, 172 x 175 cm. Tiziano es un pintor de la alegría, la sensualidad y la elegancia, como se puede apreciar en sus conocidas composiciones de carácter mitológico, además de un avezado observador de la realidad y del carácter humano, tal y como atestiguan los múltiples retratos que realizó (tipología destacable en su producción por la originalidad que consiguió imprimirle, conformándose en maestro de posteriores pintores). 



EL TINTORETTO (Jacobo Ro­busti, 1519 - 1594). Seguidor de Ticiano; en sus figuras aparece ya una agitación precursora del arte barroco. Pintó grandes composiciones murales, y sus retratos, muy abundantes, son de carácter realista, es el pintor más atípico de la escuela manierista. Practica experimentos porque le interesa el dinamismo y la expresión tanto por el dibujo como por la luz. Su influjo más importante fue el del Greco. 



Traslado del cuerpo de san marcos (1562-1566) Escuela de San marcos Venecia 

Es un marco irreal, imaginario y sorpresivo. Hay un cielo de tormenta, nubloso, figuras que huyen de algo frente a las centrales. Colorido manierista, el cuerpo de cara al espectador siguiendo el gusto manierista. Gran vacío en el cuadro y exagera la perspectiva. 





El lavatorio 1547-1549 

En El lavatorio de los pies, de la escena de la Última Cena, elige lo más trivial, cuando Cristo lava los pies a sus discípulos. Sitúa a Cristo a un lado para hacerle perder importancia. Esto supone un cambio iconográfico muy peligroso. En el centro pone un perro, que es un detalle manierista. Ocupa el espacio de una manera desigual. Hay una gratuidad de movimientos y una movilidad muy manierista. Frente al gran vacío, sitúa la mesa en perspectiva. 

La última cena 1592-1594, Basílica de San Giorgio Maggiore de Venecia, Italia

Óleo sobre lienzo, mide 365 cm de alto y 568 cm; Es la última gran obra del pintor, con la que culmina su trayectoria como pintor. Es un tema que el artista había trabajado en otras ocasiones, y es clásico en la pintura religiosa católica. 

Comparar esta obra con La Última Cena de Leonardo demuestra de qué forma evolucionó el arte desde el Renacimiento. En la obra de Leonardo, los discípulos se sitúan alrededor de Jesús con una simetría casi matemática. En las manos de Tintoretto, la misma escena aparece dramáticamente distorsionada, utilizando una muy original perspectiva oblicua. Las figuras humanas parecen abrumadas por la aparición de seres fantásticos. La escena tiene lugar en una taberna sombría y popular, donde las aureolas de los santos aportan una luz extraña que subraya detalles incongruentes. Es una obra oscura, en la que destaca precisamente el tratamiento que hace de la luz. Los rostros de los santos se distinguen gracias a la luz de sus propias aureolas. Hay dos puntos de luz intensa: uno en alto, a la izquierda, y otra la intensa aureola de Jesucristo. 





EL VERONÉS (Pablo Ca­gliari, 1528 -1 588). Entre los numerosos discípulos e imita­dores de Ticiano, El Veronés es otro gran artista de esta escuela y el maestro pin, excelencia de las grandes composiciones 



Foto. La familia cuccina, Museo de dresde, alemania 





Giovanni Bellini (1433-1516) 

Gran pintor, su vida está relativamente poco documentada; numerosas obras suyas de capital importancia carecen de un encuadramiento definitivo por la escasez de datos seguros. 

Es un transformador de la pintura incorporando un colorido novedoso y. En estas se encuentran elementos ubicados con intención simbólica. Bellini obtiene gran expresividad de los rostros y un carácter vivaz de los paisajes. El color, la luz y el espacio son dominados en forma completa. Sus pinturas tienen una fuerte expresividad. 
Cristo en el monte de los Olivos 1459 national gallery, londres 

Es un cuadro realizado al temple sobre tabla, mide 81 cm de alto x 127 cm de ancho. El cuadro representa a Jesucristo arrodillado en oración sobre una roca en el monte de los Olivos, cerca de sus discípulos (Simón Pedro, y los hermanos Santiago y Juan), que duermen. Esta obra deriva de otra de Andrea Mantegna sobre el mismo tema, que se conserva en el Museo de Tours y que es de 1457. A la influencia de este autor se debe, igualmente, la estructura geológica del paisaje. Aquí el paisaje se humaniza y suaviza gracias a la luz de la aurora, que le da un mayor calor e intensifica los profundos verdes. 
La bendición de Cristo. 146 5-1470 

El tema principal de sus pinturas es el religioso es decir Bellini usa el simbolismo religioso a través de elementos naturales, como vides y rocas. Aún así, su contribución más importante al arte reside en su experimentación con el uso del color y la atmósfera en la pintura al óleo. Logrando una relación distinta entre las figuras y el paisaje. 



Nótese el borde de la túnica profusamente decorado con escritura 
Mujer Joven con el espejo 

Está considerado como un artista que revolucionó la pintura veneciana, haciéndola progresar hacia un estilo más sensual y colorista. Gracias al uso de pintura al óleo clara y de secado lento, Giovanni creó tintes intensos y ricos y sombras detalladas. Su suntuoso colorido y los paisajes fluidos y con atmósfera tuvieron un gran efecto en la escuela de pintura veneciana, por lo general, cargada de emotividad. 


Andrea Mantegna (1431-1506) 

Fue un pintor cuatrocentista italiano. 
El escorzo del Cristo Muerto 1480 

Temple sobre lienzo mide: 68 x 81 cm. Introduce un factor de expresión dramática; el cuerpo está visto desde los pies, de manera que sus dimensiones se acortan de forma brutal. 

El original punto de vista determina el descubrimiento de formas anatómicas que casi nunca aparecen en la pintura antigua: el torso modelado por una luz rasante, y el volumen y la textura de los pies descritos con detalle. La simplicidad de las superficies anatómicas contrasta con el plegado de la tela que cubre la parte inferior del cuerpo revelando la robustez de las piernas. Escasos toques de color animan los rostros, de manera que el conjunto posee una virtud monocromática que acentúa su dramatismo; a idéntico propósito responde la cruda descripción de los orificios de los clavos en las manos y pies de Cristo, cuyos tejidos han sido desgarrados con un realismo que requiere la observación por el pintor de cadáveres lacerados. 



Techo de la Cámara de los esposos 

Adquiere una relevancia especial, tanto por sus aportaciones revolucionarias en el campo de la perspectiva, como por su nueva concepción del modelado. La suya es una pintura “moderna” en su momento, que bebe directamente de las fuentes del clasicismo, que él conocía como pocos gracias a su afición al coleccionismo arqueológico. 







San Sebastian 

La figura humana clásica era una de sus obsesiones, y reflejaba en sus obras cuerpos de perfectas proporciones, sólidos y de gran expresividad. Donatello fue su influencia en este periodo llamado «pétreo». Los primeros años del siglo XVI estuvieron claramente influenciados por Mantegna en toda la pintura italiana. 








Giorgione (1477-1510) 

Conocido por la poética calidad de su trabajo y por el hecho de que se conoce con certeza la autoría de muy pocas de sus obras (aprox. 6), entre otras razones porque dejó varios cuadros inacabados, que completaron otros pintores. Esto unido a la escasez de datos biográficos e incógnita sobre el significado de su pintura, lo han convertido en uno de los pintores más misteriosos de la Historia del arte. 



Los tres filósofos (1505-1509) Museo de Historia del Arte de Viena, Viena, Austria 

Óleo sobre lienzo 121 cm × 142 cm. Sus amplios conocimientos le hacían sobresalir con gran maestría tanto en la técnica del fresco como en el empleo tradicional del temple y el óleo sobre tabla, así como el innovador uso del lienzo. Dominaba el dibujo, pero no se sometía en la ejecución final de sus obras al plan inicial trazado, sino que variaba su concepción durante la realización del cuadro. 

Empleo del lienzo: Fue el interés por el color lo que lo llevó al uso de la nueva técnica del lienzo que sustituiría a la tradicional tabla de la pintura italiana. La tela unía a su facilidad en el transporte y una mayor economía, la posibilidad de que sobre su textura se consiguieran efectos de color más adaptados a su estética. 



El juicio de Salomón (1500-1501) Galería Uffizi, Florencia 

Paisaje como parte fundamental: De la perspectiva lineal de Quattrocento basada en elementos geométricos y matemáticos, busca apoyarse en elementos atmosféricos y ambientales, dejando de analizar por separados las figuras para dar una visión más unitaria en el espacio en que están situadas. Por primera vez, Giorgione pinta paisajes con figuras en vez de una figura con paisajes. Esto sienta una base importante para el desarrollo del arte moderno. 

Cuadros de género: Su temática es profundamente profana, a pesar de contar con cuadros religiosos, a los 





La Tempestad (1508) Galería de la Academia de Venecia 

Oleo sobre lienzo 82 x73 cm Desposeía de todo misticismo propio del asunto y de la época. No pretende mover a la devoción, enaltecer gestas históricas, ni componer asuntos simplemente alegóricos. Es lo que hoy podríamos llamar El arte por el arte. 

Riqueza cromática: Uso Giorgione una gran gama de colores, mucho más rica que sus predecesores del Quattrocento, porque consideraba que para ganar en expresividad debían someterse todos los elementos al color. 



Después de esta época la pintura decae en Venecia y en general en toda Italia. 

ESCULTURA Y PINTURADEL RENACIMIENTO FUERA DE ITALIA 

En los países del norte y oeste de Europa el Renaci­miento se manifiesta por una gran observación de la natu­raleza más que por el estudio de la Antigüedad. De ahí que su arte sea realista por exce­lencia y que dé tan gran importancia al retrato. No por esto queda del todo abando­nada la tradición de la Edad Media, sino que son tratados asimismo asuntos religiosos llenos de fe y de inspiración. 

No practican estos pintores las grandes decoraciones mu­rales como en Italia, y atien­den principalmente al cuadro. 



ESCUELA ALEMANA. —La es­cultura se practica menos y es inferior a la pintura. Al comenzar el siglo xvi la in­fluencia de Italia hace perder carácter a esta escuela. 

La escuela flamenca influ­yó en Alemania, donde se de­sarrollaron centros de arte en las grandes poblaciones comerciales (Colonia, Nuremberg, etc.). 

Como en Flandes, el carácter de esta escuela es la tendencia al realismo, sin preocuparse de la antigüedad clásica. 



DURERO (1471 - 1528). 

Nació en Nuremberg. Sus cuadros son numerosos, pero es conocido también por sus dibujos y grabados, de ca­rácter, en general, sombrío y fantástico, ejecutados con gran realismo 



Durero, autorretrato. Museo del Prado 

Su arte refleja una enorme calidad en el trazado del dibujo y una minuciosa observación del detalle. Las figuras están llenas de expresividad y son tratadas con gran minuciosidad, mostrando multitud de detalles. 









Adán y Eva 

En estos dos cuadros se observan las influencias del renacimiento italiano. Realiza un tratamiento anatómico de los cuerpos, aunque ambos están idealizados a la manera italiana. Las luces, los colores, el sombreado y el volumen responden a un tratamiento renacentista. 

Los dos personajes se encuentran de pie y existe una relación entre ellos. Adán está mirando a Eva, quien recoge la manzana que le ofrece la serpiente. Y emplea un fondo neutro para no distraer la atención de la acción que constituye la tentación. 







El Caballero, la Muerte y el Diablo 

Este grabado alude la virtud moral. Ilustra la vida del cristiano esbozando una imagen perfecta del soldado de Cristo, con un aspecto monumental y lleno de la armonía. 

Representa a un caballero cristiano opuesto a un mundo hostil. El caballero es viril, fuerte y está sereno. A caballo, recorre el camino de la virtud, que es arduo y lúgubre e intenta vencer los peligros y las tentaciones que le acechan. 

El fondo está compuesto por rocas y árboles desnudos. A lo lejos, hay un castillo, que es la meta del caballero: la virtud inexpugnable. Durante el camino aparece la Muerte a caballo, que es un cadáver en descomposición, sin mejillas, nariz ni labios y el cuello rodeado de serpientes. Se acerca al caballero y trata de espantarlo mostrándole su reloj. Mientras tanto, un horrible Diablo le sonríe por detrás del caballo. 



HANS HOLBEIN (1497-1543) 

Aunque natural de Augsbur­go, se trasladó a Inglaterra, donde gozó del favor de En­rique VIII. Retratista famoso, ejecuta sus obras con pasmosa verdad. Trato también asuntos religiosos y ha dejado bastantes dibujos y grabados. 



Jane Seymour (detalle). Museo de Viena 

Holbein alcanzó una gran fama gracias a sus retratos realistas de personas y grupos, el detallismo de la piel, el pelo, los ropajes y la ornamentación, así como el talento para representar con exactitud cada una de las diferentes texturas, que no disminuían ni iban en detrimento de las características esenciales y de dignidad de sus retratados. Tal fue el realismo de su obra que su influencia sobrepasó los límites de la pintura. 



El Cristo muerto 1521 

La pintura del Cristo Sepultado causó gran influencia en el escritor ruso Fëdor Dostoyevsky, tanto así que lo inspiró en su novela El Idiota

Si hay algo, además de por su técnica, por lo que Holbein debe destacarse es por su enorme capacidad de observación, la cual queda reflejada en la plasmación de la psicología a la hora de representar el alma en sus modelos. Hay que señalar, el gran desarrollo que poseía de la técnica pictórica, sobresaliendo en los juegos cromáticos bajo la acción lumínica, sin alterar o modificar apenas los tonos naturales. Entrando en mayor profundidad en la obra vemos como su frialdad, sequedad y crueldad, queda expuesta en el más trágico cuadro que quizás se haya pintado nunca, y tal vez en este motivo se halle su esencia, donde el pintor sabe conjugar una máxima crueldad, pero al mismo tiempo misterio y sutileza. 



Los embajadores 153, national gallery de londres 

Oleo sobre tabla de roble mide 209cm x 207cm, el cuadro se llama en realidad Jean de Dinteville y Georges de Selvees. Es una de las obras maestras del pintor y de la pintura en general. Triplemente importante por sus resonancias históricas, por su riqueza simbólica y por su excelencia plástica, incluye un raro objeto en primer plano que fue algo misterioso durante mucho tiempo. 


Matthias Grünewald 

Pintor e ingeniero hidráulico alemán renacentista. Pintó principalmente obras religiosas, especialmente escenas de crucifixión sombrías y llenas de dolor. El carácter visionario de su obra, con sus expresivos color y línea, contrasta con la obra de su contemporáneo Alberto Durero. Sus pinturas son conocidas por sus formas dramáticas, colores vívidos y el tratamiento de la luz. 



La crucificcion 

Está pintado al temple y óleo sobre panel de madera de tilo. Esta tabla central es la imagen más conocida de dicho retablo, y mide 269 cm de alto, y 307 cm. de ancho Es una imagen dotada de una dramática expresividad. 

El eje central es la Cruz en la que está Jesucristo, ligeramente descentrado. Jesucristo está crispado, y casi putrefacto, con heridas purulentas. El Cristo crucificado, cubierto de heridas y retorcido en la agonía, constituye una imagen vivamente expresada de sufrimiento y muerte 







Demons Armed with Sticks 1512 -1516 

Su concepción de estos temas conocidos es única; las composiciones, reforzadas por un trazo de enorme expresividad y una riqueza de color sin igual en el arte germánico, producen un impacto visual y emocional sobrecogedor; 











La resurrección de Cristo 

El Cristo resucitado, que flota triunfal y radiante en una composición ascendente en medio de una luz intensa, es la personificación de la vida eterna. Los expertos modernos han identificado las Revelaciones de santa Brígida de Suecia, obra mística del siglo XIV muy popular en la Alemania del renacimiento, como fuente de la compleja iconografía de la obra 









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